Romper los zapatos por las puntas

Eso es justo lo que yo hacía cuando era pequeña... desgastar los zapatos por las puntas andando de aquí para allá siempre de puntillas o tratar de mantener un "ortopédico" equilibrio con los zapatos mocasines del colegio... Bailar cualquier melodía en la calle, en una tienda o en el pasillo del colegio, música que escuchaba aunque sólo fuera en mi cabeza y nadie sino yo la oyera... Lo mismo que la conocida expresión London Calling, también debe haber una Dance Calling, una llamada que no se impone sino que viene "de serie" al margen de cualquier otra consideración. Y eso no es cuestión de edad, está, y en cuanto uno consigue mantenerse más o menos en pié... se nota.

¿CUÁNDO? Y ¿HASTA CUÁNDO?

Muchos padres se preguntan cuándo es el momento adecuado para que su hijo o hija se inicie en el ballet y, desde mi punto de vista, la respuesta siempre es la misma, en cuanto el niño lo demande, explícita o implícitamente. Niños con 3 ó 4 años pueden ya mostrar inclinación por la danza, incluso sin haber tenido referencias externas, al fin y al cabo, la música y la danza en todas sus modalidades han sido vehículos culturales y expresivos intrínsecos al ser humano desde hace miles de años.

Alumnas 4-5 años. Pupils 4-5 age (Backstage)

La preocupación de los padres por el adecuado desarrollo físico de los niños se traduce, a veces, en la inquietud de saber si la práctica de la danza puede resultar contraproducente en su desarrollo músculo-esquelético y la respuesta es no, siempre que su entrenamiento se produzca bajo condiciones convenientemente tuteladas. De hecho beneficia el desarrollo psicomotriz de los niños entre los entre los 2-7 años, así como la orientación espacio-corporal, el equilibrio y los reflejos. Además favorece la circulación sanguínea, evita las malas posturas y puede ayudar a corregir problemas como el pie plano o la escoliosis, sin olvidar los beneficios socializadores y emocionales.

Aunque en escuelas fuera de España hay programas para niños entre los 16 meses y los 3 años en los que participan los padres, es más común iniciar la práctica del ballet entre los 3 y 7 años: Pre-ballet y Ballet de Iniciación.

Trabajo en la barra. Barre workout

La actividad que se desarrolla en esta etapa se focaliza en la psicomotricidad, la percepción del ritmo, la expresividad, la identificación y coordinación de las partes del propio cuerpo asentando las posiciones básicas del ballet, respetando el desarrollo corporal y la psique infantil. Interactuar uno mismo con el espacio y con los compañeros se convierte en una herramienta fundamental.
Es muy importante, sobre todo entre los 5 y los 7 años, introducir el trabajo de los pies y las piernas en dehors (hacia afuera) y empezar a elevar los talones del suelo.

La capacidad de concentración de los niños en estas edades no suele superar la hora, por lo que la extensión de una clase no debe exceder los 60 minutos, con los descansos oportunos durante la misma.
Otro aspecto importante es la frecuencia de las clases y establecer en el desarrollo de la misma una rutina de ejercicios, acercando a los niños a la disciplina, en combinación con momentos creativos. Dos días alternos por semana sería óptimo, pero en los últimos años tropezamos con problemas de estructuración entre los horarios de los padres y las necesidades de los niños, además de una percepción devaluada de actividades englobadas en el terreno de lo "artístico".

Primeros relevés. Training relevés

En España, a diferencia de otros países, hay dificultades con el compromiso y la valoración de estas actividades. Lamentablemente el cultivo y desarrollo de la parte emocional, artística y sensitiva de los niños es subestimada por los padres que consideran que únicamente es útil el aprendizaje de lo inmediatamente evaluable, cuantificable y de lo que se entiende como "competitivo". Sin embargo, se ha demostrado que el desarrollo emocional de los niños y la práctica de actividades relacionadas con el arte, la música y la danza, dotan al cerebro de mayores ventajas cognitivas, recursos resolutivos y capacidades intelectuales respecto a niños que no las práctican.

A partir de los 6 - 7 años, se inicia una formación más enfocada al desarrollo de la técnica y la adecuación del cuerpo potenciando poco a poco la fuerza y flexibilidad, introduciendo además el vocabulario propio de la técnica del ballet. Se familiarizan ya con "la barra", que acompañarán a los bailarines como herramienta y rutina el resto de sus vidas.

Primera Posición. First Position.

El Ballet es una carrera de fondo cuyo aprendizaje académico se prolonga en España 10 años. Es entre los 7 y 9, cuando un niño puede empezar a examinarse oficialmente. El incremento de la práctica debe ser gradual y al menos debe ocupar 2 ó 3 días por semana durante 60-90 minutos cuando los alumnos cumplan los 10. Se introducen a esa edad, siempre que la musculatura y el control corporal lo aconsejen, el uso de las zapatillas de punta características de las bailarinas y en chicos los saltos mayores y portés más sencillos (carga de la bailarina). Es ahora cuando se amplía el abanico de posibiliades formativas, además de en las escuelas privadas o centros educativos, se presenta la opción de cursar los estudios oficiales en los conservatorios. En éstos, es posible complementar la formación con otras asignaturas relacionadas: historia de la danza, música, anatomía de la danza u otras especialidades de danza (entre otras), por lo que la carga lectiva suele ser mayor que en un centro privado.

Los padres deben acompañar en este proceso de crecimento personal y disciplinar a los niños y generalmente durante el curso pueden asistir al desarrollo de alguna clase abierta, donde comprueban la evolución de sus hijos. Resulta además muy gratificante y especialmente motivante para los niños una actuación final de curso, poniendo en práctica el aprendizaje anual en una coreografía especial y una escenificación más cuidada que en una clase rutinaria. Además los niños entran en contacto con dos elementos fundamentales en el ballet: el escenario y el público, lo que popularmente se denominan "tablas". La recompensa final al esfuerzo diario.

Foto del Miami City Ballet.

Aunque la mayor parte de los niños no acabarán siendo bailarines profesionales la práctica del ballet, por simple placer, sigue aportando beneficios muy positivos. El fortalecimiento de la musculatura, el desarrollo de la memoria muscular y cerebral, aumento de la capacidad respiratoria, la correcta alineación del cuerpo, la superación de miedos, la disciplina, el tesón y la valoración del esfuerzo, son sólo algunos de ellos.

Es fundamental, no obstante, que la formación en ballet se lleve a cabo por profesionales preparados y sensibles. Lamentablemente este punto esencial está siendo maltratado y pasado por alto en muchos centros educativos, que no valoran adecuadamente el papel del profesor/a de ballet. Hay una tendencia general a contratar "monitores", a los que a veces ni se les exige experiencia ni formación o a los que se les valora profesionalmente poco, a través de empresas o  gestoras de las actividades extraescolares que los subcontratan con un salario paupérrimo, que no buscan la calidad y cuidado de la actividad, sino la rentabilidad meramente lucrativa. En los últimos tiempos el cambio se ha acelerado, dando lugar, por ejemplo, a la creación de grupos heterogéneos en edad, sin tener en cuenta las necesidades y capacidades de cada etapa, o demasiado numerosos, lo que dificulta la corrección de los movimientos.

Trabajo de centro. Ballet training in center.

Una mala práxis por parte del profesor de ballet se puede traducir en una inadecuada o nula formación y lo más grave, puede acarrear en los niños, jóvenes y adultos, lesiones y malas experiencias en el aspecto psicológico. Cada clase ha de prepararse consicente y meticulosamente atendiendo a edades, número de niños y objetivos. Este es un trabajo fuera de clase que ni se valora profesionalmente ni económicamente, quedando a la buena voluntad y compromiso de los profesores.

BALLET PARA ADULTOS NO PROFESIONALES

Grupo de adultos trabajo de centro. Adults group training center.

En la actualidad vivimos un boom de la práctica del ballet como entrenamiento corporal para perder peso, mejorar la flexibilidad y estilizar la figura en adultos sin experiencia previa. El ballet, como el pilates, se ha puesto de moda fuera de los escenarios, sobre todo en Estados Unidos, donde algunas actrices indican que forma parte de su rutina de belleza. Pero su práctica por adultos no profesionales lleva años afianzada en Inglaterra y va mucho más allá de una simple moda. Es una disciplina que une el bienestar corporal y el emocional en quienes lo practican.

Trabajo en la barra. Barre workout

Actualmente esta tendencia está llegando a España, ya que en Europa es común la práctica de BalletFit o Ballet para Adultos. Grandes compañías como el English National Ballet o Boston Ballet (entre otras) y escuelas privadas en América y Europa, dan la posibilidad de participar de este tipo de clases, que sin tener una finalidad profesional es una herramienta que activa mente, cuerpo y sube la autoestima. Los requisitos para practicar ballet en la edad adulta no demanda ni ser delgado, ni haber bailado nunca y puede practicarlo cualquier persona a cualquier edad y lo más importante: ¡de ambos sexos!.
 Afortunadamente cada vez más son los hombres y los niños que practican ballet, quitándonos ya de encima los falsos mitos y prejuicios decimonónicos que pesaban a la hora de bailar y expresarse con el cuerpo.

En las clases de adultos el trabajo en la "barra" (con apoyo) y el centro son fundamentales, pero también el trabajo creativo y emocional. El ballet es también una actividad personal, de autoconcentración y autoconocimiento corporal en el que se trabaja cada grupo muscular de manera controlada y no agresiva, lo que evita traumas articulares y lesiones. Es necesario aprender a coordinar movimientos y respiración que oxigene adecuadamente cada músculo. Igual que las clases para niños, las de adultos son preparadas conscientemente, teniendo en cuenta aspectos como la organización de los ejercicios según intensidad y tipo de ejecución. En esta disciplina el orden y tipo del trabajo muscular ¡sí altera el producto!.

Afortunadamente, cada vez son más las iniciativas que se ponen en marcha a nivel local grupos no profesionales que acercan los distintos tipos de danza a adultos, de manera que pueden decidir cuál les hace disfrutar más y se adecúa a ellos.

Foto English National Ballet web.

Existen además programas específicos como el del English National Ballet para enfermos de Alzheimer y Parkinson, sus cuidadores y familiares. Es emocionante la lectura de estudios médicos relacionados con el Alzheimer que indican que, igual que el olfato puede activar recuerdos, la memoria musical es de las últimas que se ve afectada por la enfermedad por su ubicación en el cerebro y junto con la práctica de ballet, puede conectar y estimular recuerdos. Se ha concluido que el entrenamiento de la memoria muscular en pacientes de Alzheimer o Parkinson de manera constante mejora su estado general, por lo que unir música y danza, disciplinas sensibles y emocionales, aporta numerosos beneficios a corto plazo.
Los participantes en estos programas que presentaban problemas de equilibrio y orientación, depresión, estrés o dificultades al relacionarse con los demás, han mostrado una mejora sustancial en su estado general.

REFLEXIÓN PERSONAL SOBRE EL BALLET EN ESPAÑA

Uno de los motivos al crear este blog era aportar mi granito de arena a la difusión en nuestro país de la danza, en concreto al ballet.

Por desgracia en España no se fomenta ni la formación, ni la tradición, ni difusión de la danza mucho más allá del flamenco a pesar de la calidad de nuestros bailarines y coreógrafos que, lamentablemente,  han de salir de nuestras fronteras para triunfar y ser reconocidos en los mejores ballets del mundo. Por citar dos casos muy populares: Tamara Rojo reclutada por el Scottish National Ballet, el Royal Ballet y actualmente directora artística del English National Ballet;  Trinidad Sevillano fue primera bailarina en el London Festival Ballet (hoy el English National Ballet) y reclamada entre otros por el Boston Ballet. Pero hay otros muchos casos, menos populares para los ajenos a la danza, como el de Goyo Montero, actualmente director y coreógrafo del Staatstheater Nuremberg Ballet, o el de Ángel Corella, primer bailarín del American Ballet, que regresó y apostó por un proyecto de calidad en nuestro país y que finalmente, sin apoyo de las instituciones, volverá a marcharse.

Y no es por falta de demanda, que sí la hay y además creciente, es por dejadez o ingnorancia de nuestros responsables culturales que se empeñan en permanecer ciegos ante otra fuente de riqueza cultural en nuestro país. Tenemos la materia prima pero no contamos con los medios... y aún así hay un ánimo local para poner en camino a muchos niños y adolescentes que sienten el ballet como medio de expresión y crecimiento. Que este panorama cambie, es tarea de todos.

Agradezco a los alumnos del Aula de Danza de la Uco, a María Luisa Jiménez, a Toñi Pérez, mamá de la pequeña Alejandra y a Rosa Nieto, por servir de modelos e imagen en las fotografías de esta entrada.

ENLACES

Minidocumental sobre la enfermedad del Parkinson y los beneficios de la danza en su bienestar.
Minidocumentary about Parkinson's desease and the benefits of dance in their well-being.

 

Programa del English National Ballet para enfermos de Parkinson. Aprendiendo El Cascanueces.

English National Ballet program for Parkinson's patients. Learning The Nutcracker.

 

Reportaje en español de una chica con síndrome de Down.

GALERÍA DE IMÁGENES

Érase una vez... en el país de las golosinas...

Viajamos a la Rusia de 1881... El Zar Alejandro III, en plena revolución industrial, trata de ahogar  y controlar mediante políticas represivas, las revueltas sociales de la cada vez más numerosa clase obrera. Éstos, clamaban por salarios y horarios de trabajo dignos, así como contra la política absolutista del Zar. Los campesinos se trasladan del campo a ciudades como San Petersburgo en busca de nuevas oportunidades laborales, pero la población seguirá siendo en más del 75% rural. La política exterior se caracteriza por el sólo aparente fin de la rivalidad entre Alemania e Inglaterra y la alianza franco-rusa. La línea de ferrocarril que cruzaría Rusia para conectarla con Oriente, El Transiberiano, está casi completa y pronto será motivo de orgullo para el país. Se confirma la aceptación, en política monetaria, del "patrón oro" en el rublo, lo que beneficia la economía de inversión extranjera y posiciona la moneda rusa en el marco mundial.

Fotograma de Anna Karenina (Director Bernard Rose, 1997)

Por su parte, la burguesía y la clase alta viven aún en un su pompa de lujo imperialista y exclusivista, quedando retratada por Tolstoi en novelas como Anna Karenina (1877). Esta fuerte desigualdad social iniciará unos años después las huelgas obreras que culminarán en 1905 con la matanza que La Guardia Rusa llevó a cabo durante una manifestación obrera pacífica y que se recordará como el Domingo Sangriento. El hecho se convertirá en caldo de cultivo de la Revolución de 1917 y narrado medio siglo después en la novela Doctor Zhivago (1957). Con estas imágenes que todos tenemos en nuestra memoria bien podemos dibujar un retrato del San Petersburgo de finales del XIX.

Domingo Sangriento (Bloody Sunday) Ivan Vladimirov

En este ambiente de contrastes, el director del Teatro Mariinski, llamado así en honor a la madre del Zar María de Hesse-Darmstadt, decide encargar un nuevo ballet después del éxito de La Bella Durmiente. En esta ocasión encomendó al coreógrafo Marius Petipa y a su ayudante Lev Ivanov un cuento navideño, basado en la adaptación que A. Dumas hizo de "El Cascanueces y el Rey de los ratones" de Hoffmann. Petipa, pidió a Tchaikovsky la realización de la música, siguiendo sus indicaciones. El compositor se mostró poco motivado ante la nueva creación que, a pesar de todo, estuvo concluida un año más tarde.

18 DE DICIEMBRE DE 1892

Tal día como aquel se estrenó en San Petersburgo El Cascanueces, no sin escapar de las críticas. El ballet en dos actos que habían ideado Petipa e Ivanov modificaron la obra original de Hoffmann de 1816. 

Efectivamente, Petipa eliminó de la representación la historia que narraba cómo se convirtió el Príncipe en el juguete Cascanueces, su historia de amor con la Princesa Pirlipat y la traición de ésta. También el nombre de la protagonista cambió de María a Clara, que en realidad era el nombre de una de las muñecas.  Pero sin duda, lo que más escandalizó a la crítica fue el hecho de incluir por primera vez en la representación a un gran número de niños, estudiantes de la Escuela Imperial de San Petersburgo. Para los críticos, esto no generó sino caos en el escenario y falta de profesionalidad, sin embargo hoy nadie duda de que la oportunidad que tienen los estudiantes de ballet del mundo de participar y ser protagonistas en una obra como El Cascanueces, es un momento inolvidable y lleno de ilusión, que ningún bailarín profesional puede sustituir. 

El Cascanueces puede representarse completo, en sus dos actos y cinco escenas, o en lo que se denominó "Suite del Cascanueces" con ocho piezas del ballet que básicamente omite toda la primera parte que Petipa desarrolla en el "mundo real".

Montaje original de El Cascanueces. San Petersburgo, 1892

 A pesar de la popularidad que hoy tiene "El Cascanueces" en todo el mundo, tardó mucho en ganarse esa posición. En Estados Unidos tenemos que esperar hasta la década de 1940 para que, con la llegada de grandes bailarines de Rusia y Francia, llegue también la tradición. La coreografía ha ido variando con el tiempo, ya que generalmente se transmite de profesor a alumno y cada coreógrafo acaba dando su propia interpretación. Así vemos diferencias entre las coreografías de Balanchine, M. Barishnikov, Nureyev o Roland Petite... No obstante, "El Cascanueces" se creó para quedarse y transmitir al público, seguidor de la danza o no y en todas sus adaptaciones, la magia de la Navidad...

EL CUENTO EN EL BALLET DEL CASCANUECES 

Clara y El Cascanueces. Clara and The Nutcracker

Es la noche de Nochebuena y la familia Stalhbaum (conocida también por Silberhouse) organiza una cena donde amigos y familiares se reúnen junto al árbol de Navidad. Clara y su hermano Fritz, esperan ansiosos la llegada de su padrino, el relojero y creador de autómatas Drosselmeyer. Los regalos se colocan junto al árbol y finalmente el padrino hace su entrada. La magia, el juego de luces y los brillos envuelven el salón. Drosselmeyer regala a su ahijada un soldado de madera que resulta ser un cascanueces del que Clara se prenda. 

Copos de Nieve. Snowflackes. Ballet Mariinski (1892)

La historia continúa en el mundo de los sueños y la fantasía, cuando Clara se queda dormida junto al árbol... Es entonces cuando los muñecos cobran vida, incluido su Príncipe Cascanueces y así, bailan y juegan hasta que El Rey de los Ratones y su ejército se cuelan en el salón y comienza la batalla.

Clara, que es valiente y no quiere que hieran a su Príncipe, acaba golpeando al Rey Ratón con su zapatilla y logra que los ratones se marchen.

Agradecido el Príncipe conduce a Clara por el Río Limonada a mundos maravillosos como El Bosque de la Nieve Eterna o el País de la Golosina. Allí conocerán al Hada Pan de Azúcar que organiza un gran festival para celebrar la victoria. El café, el chocolate, el té, los mirlitones y la misma Hada con su Príncipe bailarán en honor de Clara y el Cascanueces... Pero el sueño se acaba y Clara despierta junto al árbol... 

¿Habrá sido sólo un sueño? No sabemos... pero La Navidad en cualquier parte del mundo suena a Tchaicovsky, suena al "Cascanueces" y al Hada Pan de Azúcar....

CARRUSEL DE IMÁGENES Y VIDEOS

Llegada al País de la Nieve Eterna. Boston Ballet.

(I Acto)

Clara's arrival to Snowland. Boston Ballet (IAct)

 

Copos de Nieve. Royal Ballet. (I Acto)

Snowflakes. Royal Ballet (I Act)

 

Sarah Lamb como el Hada Pan de Azúcar. Royal Ballet (II Acto)

Sarah Lamb as Sugar Plum Fairy. Royal Ballet (II Act)

 

Café (danza árabe). Royal Ballet. (II Acto)
Coffee (arabian dance). Royal Ballet.(II Act)

Antonietta Dell'Era como el Hada Pan de Azúcar. Ballet Mariinski, 1892. 

Antonietta Dell'Era as Sugar Plum Fairy. Mariinski Ballet, 1892

Royal Opera House. "The Nutcracker" Trailer 2013

Detrás de la escena. Breve documental de Royal Opera House, 2012

Behind the scenes.Royal Opera House documentary, 2012

Danza del Hada Pan de Azúcar. Ballet Bolshoi, 2010

Sugar Plum Fairy. Bolshoi Ballet, 2010

Café (Danza árabe) Royal Ballet

Coffee (Arabian Dance) Royal Ballet.

Café (Danza Árabe) Ballet Bolshoi, 1978

Coffee (Arabian Dance) Bolshoi Ballet, 1978

Secretos de escena. Documental de Royal Opera House, 2012

Secrets of Scene. Royal Opera House documentary, 2012

Piano y Puntas: Monotonos de Satie en el Royal Ballet

Siempre he relacionado algunas de las composiciones de Erik Satie con tardes otoñales, de perezosa actividad. Por eso publico hoy este pequeño artículo sobre dos obras del compositor que inspiraron a grandes coreógrafos como Sir F. Ashton o Roland Petit, "Trois Gnossienes" y "Trois Gymnopedies". Este artículo será de especial interés para los amantes del ballet, pero sugiero que aquellos que no lo sean... o aún no sepan que lo son... al menos dediquen unos minutos en ver los videos que enlazaré y se dejen llevar por la sutileza de la música y la exquisitez de las coreografías.

MONOTONES I y II.

"Monotones"son las dos piezas de ballet no narrativas, esto es sin hilo argumental, que Sir Frederik Ashton creó en los años 60 con música de Erik Satie.

En concreto Ashton ideó la coreografía de Monotones II en primer lugar, para estrenarla en una gala benéfica que el Royal Ballet celebró en el Covent Garden en 1965. La música seleccionada fue "Trois Gymnopedies", compuesta en 1888.

Monotones II. Fotografía del Royal Ballet.

Ashton, presentó un "Paso a tres" para dos hombres y una mujer, en una coreografía clasicista, de gran fluidez y pureza de movimientos. Los bailarines permanecen casi constantemente enlazados, hacen y deshacen, vienen y van, envolviéndose entre sí en lenta y sugerente continuidad.

El propio Ashton explica como se le solicitó para la gala una coreografía no muy larga y pensó que aquella obra de Satie que ya conocía y de la que se encaprichó años atrás, sería perfecta.

Ashton se dejó inspirar por el período histórico que se vivía mundialmente ya que la década de 1960 fue la década de la Carrera Espacial, que culminaría en 1969 con la llegada del Hombre a la Luna. La coreografía, la puesta en escena en un escenario desnudo y el vestuario de los bailarines: una maya y casquete blancos, pueden sugerir, efectivamente, ese ambiente "lunar" y etéreo.

Monotones I . Fotografía del Royal Ballet

Fue un año después, 1966, cuando Ashton presentó la segunda parte de la composición, que titulará Monotones I, con la música de Satie "Trois Gnossienes" de 1890.

En este caso, la misma sutileza y dinamismo del "Paso a tres" fue interpretado por dos mujeres y un hombre. Esta inversión de papeles sugiere la idea de una coreografía "espejo" que supusiera una contraposición ideográfica con Monotones II. Los bailarines desarrollan la nueva coreografía sin permanecer enlazados físicamente, usando intermitentemente movimientos en canón, en el que uno inicia un movimiento y los otros lo repiten individualmente en varios tiempos.

Asthon asegura que concibió esta parte para representar "lo terrestre" frente al mundo "lunar" que ideó un año atrás. Monotones I, aunque menos representado que Monotones II, resulta igualmente de enorme lirismo.

La confusión que a veces se origina en la denominación de las piezas respecto al año de creación, recordemos Monotones II en 1965 y Monotones I en 1966, se explica por el hecho práctico de que Ashton decidió representar la pieza más efectista en último lugar, dejando en el espectador la mejor de las impresiones.

GNOSSIENES Y GYMNOPEDIES EN OTROS COREÓGRAFOS

Gnossiennes de M. Graham. Fotografía Library Congress

Estas dos obras musicales, han inspirando a coreógrafos de todo el mundo. Su aire sereno, algo nostálgico, impone coreografías elegantes y de gran sutileza.

Marta Graham en 1926 debutaría como coreógrafa en el Teatro de la Calle 48 de Nueva York con 18 piezas cortas entre las que se incluían "Trois Gnossiennes" de Satie.

Posteriormente en 1982 el coreógrafo holandés Hans Van Manen, presenta su particular visión de la misma pieza musical, creando un "Paso a dos" en el que se centra en la creación de movimiento, dejando ciertamente la expresividad al margen para ensalzar la articulación del cuerpo y la música. La coreografía de Van Manen, sigue siendo parte del repertorio habitual de compañías de danza como el Ballet Nacional de Holanda o el Kirov.

Gnossiennes de Van Manen

Gymnopedies de Roland Petit. Foto: Ballet de la Scala de Milan.

El maestro Roland Petit en 1986, propuso una revisión de "Gymnopedies" para el Ballet Nacional de Marsella. En este caso será un "Paso a dos" inicialmente en tres piezas, que se transformó en una sola en 1988. La coreografía fue incluida dentro del montaje "Ma Pavlova" homenaje a la célebre bailarina, y posteriormente en "Tout Satie". La estética del Gymnopedie de Roland Petit, desde mi punto de vista, desprende elegancia y sensualidad desde el mismo vestuario femenino, con tutú blanco romático y guantes de seda negros, y aún sin llegar a tener un hilo narrativo explícito, nos muestra la energía del cortejo entre la pareja. 

Sin duda Satie, extravagante, indisciplinado y de peculiar personalidad, supo crear una atmósfera sutil, definida a pinceladas musicales que, personalmente me evoca la idea de una pintura impresionista. Inspiró a grandes maestros de ballet que recogieron y sublimaron si cabe, estas dos obras.

VIDEOS

 

Monotones II. Coreografía F. Ashton.

Interesante mini-documental a pesar de la calidad de parte de la imagen. El propio F. Ashton explica la creación de sus dos piezas de ballet entre 1965 y 1966.

Audio en Inglés sin subtítulos.

 

 

 

Coreografía de H. Van Manen

Uliana Lopatkina e Ivan Kolzov interpretando un fragmento de la coreografía de Hans Van Manen, creada en 1982.

Monotones II Ensayos en El Royal Ballet.
Un privilegio ver a Marianela Nuñez, Watson y Bonelli en pleno ensayo de la obra de Ashton.

 

 

Trois Gymnopedies de R. Petit. Clicar AQUI para ir a la página oficial de Roland Petit donde se puede ver un fragmento de su coreografía Trois Gymnopedies. (Video nº 21). Foto: Escuela del Teatro alla Scala.